Design, Arts & Photography: Arts

Galerías en Madrid y sus exposiciones: SOLEDAD LORENZO y Ana Laura Aláez

Tras la visita a todas las galerías, valoro la exposición “Forma y Performance” de Ana Laura Aláez en la galería Soledad Lorenzo como la más interesante desde mi punto de vista. Ha sido mi primer encuentro con la obra y he descubierto a una artista multidisciplinar y contemporánea que ha despertado en mi mucho interés.

Ana Laura Aláez expone en la galería Soledad Lorenzo, una de las mejores, sino la mejor de la capital. El trabajo de Aláez me parece increíble, ya que juega con el color negro, el metalizado, la ropa y el desnudo. Un discurso muy completo, que si no se conoce su obra, visto desde fuera puede parece incongruente, pero que al visionarlo de cerca se descubre que no lo es. Ante todo debemos de ver esta exposición como una muestra de sus diferentes trabajos, reunidos en una sala para poder entender los saltos entre las diversas técnicas. El hilo conductor entre todas las obras es personal, ya que Ana Laura Aláez habla siempre desde un punto de vista propio aportando partes de su vida en cada obra. Trabaja sobre temas íntimos y personales, pero sin crear barreras de comprensión entre el observador y la artista. Un arte desnudo, que se comprende y llega el espectador haciéndole partícipe de sus experiencias, invitando a imaginar.

Las esculturas negras sobre los pedestales, han sido mis favoritas, Ana Laura Aláez juega con formas muy orgánicas que me evocan a cuerpos desnudos, similares a los cuerpos fotografiados en blanco y negro colgados en la primera sala. En la exposición de Aláez, veo un guiño claro al mundo del “rock and roll”, con la fusión de las chupas de cuero y las camisetas negras de la instalación. Me parece muy interesante el uso de la máquina de coser como herramienta común en el mundo del arte actual, ya que en la última instalación se ve en el suelo, a modo de alfombra, un conjunto de camisetas negras rockeras cosidas las unas a las otras.

Los modelos fotografiados desnudos en blanco y negro enseñan tatuajes y piercing, esta es una tendencia cada vez más masiva, que en ocasiones llegan a cubrir cuerpos enteros para convertirse de ese modo en la propia ropa o identidad. Si la mayoría de las personas hacen uso de la vestimenta para expresar sensaciones, estados de humor, procedencias o gustos musicales, hoy en día el tatuaje cumple esa misma función.

Me gustaría hacer hincapié en la escultura “Miedo intento nº:2”de esta artista multidisciplinar que es sin duda mi preferida. Pertenece a una serie de tres esculturas que forman “Miedo intento nº: 1,2,3”. Son esculturas con formas muy orgánicas que recuerdan como antes he mencionado a formas del cuerpo humano o formas que surgen en la naturaleza. Reinterpreta o revive experiencias pasadas y crea objetos tridimensionales que le evocan a un episodio de su vida. La intimidad que impregna en sus esculturas se puede ver y tocar con facilidad cuando te acercas a ellas. La misma artistas habla así sobre su obra: “La escultura como algo autobiográfico. La vida como inagotable material artístico. La escultura como performance. Repeticiones incontroladas de acciones.” Cuanto más avanzamos y más sé sobre la escultura, más valoro las obras escultóricas hechas en piedra o madera por su complejidad, producción y relación íntima que se crea entre artista y escultura.

Brevemente mi opinión sobre las demás galerías y artistas:

La colectiva “En la cuerda floja” de la galería Heinrich Ehrhardt es junto a la Ana Laura Aláez la más interesante, sorprendente y diversa. Pese a la variedad de registro y de estilo se percibía claramente un hilo de unión entre los diferentes artistas y de ese mismo modo una obra respaldaba a la otra hasta crear una combinación muy atrayente. Dentro de la joven colectiva, considero a María Jesús Garcés como la más atractiva. De nuevo vemos como la costura ha ido desde el postmodernismo poco a poco ganando terreno en el mundo del arte y gracias a artistas como Ana de Matos es la costura una herramienta lícita y explícita en el arte contemporáneo. Estéticamente Garcés es capaz de crear composiciones con un ritmo y equilibrio exquisito. El principio básico puede parecer simple, pero el resultado es óptimo y sutil. Después de mantener una conversación muy amena con el señor joven que atendía a los visitantes en la galería, descubrí que eran puntadas hechas a mano. Previamente la artista hacía los agujeros en los papeles, para más tarde intervenir directamente de una manera manual. La fuerza de los colores y los grosores de los hilos me transportaban a un mundo minimalista lleno de formas abstractas, geometrías y color.

Nota de prensa de la página web “www.revistaclavesdearte.com”: “María Jesús Garcés: Su trabajo, pentagramas de hilo sobre papel, se basa en la idea de la originalidad e individualidad de cada obra a pesar de su naturaleza repetitiva y seriada. Concentrándose profundamente en el proceso, cada puntada sobre el papel adquiere dimensiones que se escapan del contenido y la idea. Geometrías flotantes cuyos ecos traspasan los límites físicos de cada obra en concreto. Llevará a cabo una gran intervención representando la idea procesual, básica en su obra.”

También me gustaría resaltar el trabajo de Miren Doiz que es visualmente impresionante. Creo que el boom del graffiti es las ciudades, ayudan a que entendamos obras como las de Doiz, en las cuales usa la arquitectura como lienzo. La influencia de la estética urbana es innegable. Constantemente tenía que pensar en diversos graffitis que ocupan las fachadas de nuestras ciudades, que tienen un concepto similar, aunque Doiz le proporciona un valor nuevo, dándole un carácter íntimo, privado y personal. La intencionalidad de las intervenciones no es tomar lugares públicos y exteriores como suyos, sino reconvertir o transformar un lugar abandonado o privado, desde la intimidad para proporcionarle un carácter singular y personal. Interesante sobre todo, el efecto patch-work que consigue en sus instalaciones, dando la sensación de estar sumergido en un mundo colorista y expresionista. (Imagen:6) La intervención de Miren Doiz tenía lugar directamente en el despacho del galerista. De esta forma, se apropió con su lenguaje singular de un lugar privado hasta hacerlo suyo creando un espacio nuevo con la pintura.

La galería Espacio Mínimo con Susan Collins que lleva el título de “Twice Removed” parte del movimiento italiano “arte povera” en el cual se recogen o reciclan objetos humildes y en desuso para pasar a convertirlos en preciosas esculturas y piezas de arte. Es un proyecto muy conceptual, con el que confunde y camufla los límites del arte y de lo comprensible. Hay que fijarse detenidamente para observar que no solo hace uso de objetos humildes sino de detalles preciosos como son tacos de coral, tornillos de oro, carcomas de brillante o bordados. Tiene un toque “dadaísta” por la descontextualización dándole a una manta que a priori parece un desecho la categoría de “Arte” y localizándola en una galería aunque su lugar normalmente sería la basura. Al entrar en la galería pensé en Marcel Duchamp y sus ready mades, influencia patente en los artistas conceptuales y como no también en Collins .

Thomas Demand expone en la galería Helga de Alvear (B:8), las instalaciones de la sala son increíbles y la exposición de Demand muy impresionante. Aún así no la he elegido como mi favorita, ya que hace un mes estuve en la exposición de “Die National Galerie” en Berlín. Lógicamente la impresión que me causó en Berlín cuando descubrí el trabajo de Thomas Demand, no es comparable con la exposición en la galería de Helga de Alvear. Como fotógrafo y como “maquetista” y escultor, Demand me recuerda a Gregory Crewdson ya que este artista también crea sus propios escenarios con maquetas. La búsqueda personal de su verdad mediante la recreación manual de un escenario particular junto al resultado hiperrealista despierta mucho interés en mí. Es una corriente dentro de la fotografía muy fuerte que se acerca por sus procesos más a la pintura o escultura: se parte de una imagen mental previa y clara, se intenta recrear manualmente partiendo de cero. La fotografía es el folio en el cual Demand escribe con su lenguaje visual, las maquetas, sus narraciones e historias.

Visitando la galería de Javier López y viendo la exposición de Nan Goldin crucé y me metí en la galería Pepe Cobo y cía. Tras ver la exposición y justo al final al coger el texto de prensa y buscando el nombre del fotógrafo me sorprendí al descubrir que era Andy Warhol. Me alegra haber podido ver las fotografías en blanco y negro sin estar sugestionado por el reconocido artista, así pude ser crítica y valorar la fotografía desde un punto de vista más objetivo. Creo que las fotografías captan momentos cotidianos o pequeños detalles del día a día de las ciudades, pero ni la calidad a nivel compositivo ni la nitidez de las fotografías son comparables a Cartier Bresson o Walker Evans que pese a ser anteriores crearon imágenes de ensueño. Me gusta más la faceta experimental y colorista de Andy Warhol, que consigue sorprender, entretener y divertir al público desde un arte pop. Sobre la galería he de añadir que el concepto de “reciclar” un garaje de coches y convertirlo en galería me parece increíble, pero la iluminación no me gustó del todo. Lo ideal es tener una pared negra o blanca, el alicatado no ayuda al visionar las fotografías.